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Die seltsamsten Bilder

Die seltsamsten Bilder

Die bildende Kunst kann eine ganze Reihe von Emotionen hervorrufen. Einige Gemälde sind in mystische Rätsel gehüllt, während in anderen der unerschwinglich hohe Preis die Hauptsache ist.

Es gibt viele seltsame Bilder in der Geschichte der Weltmalerei. Und obwohl das Konzept der Fremdheit subjektiv ist, kann man jene bekannten Werke herausgreifen, die sich deutlich von der allgemeinen Reihe abheben.

Edvard Munch "Der Schrei". Das 91x73,5 cm große Werk wurde 1893 geschaffen. Munch malte es in Öl, Pastell und Tempera, heute wird das Gemälde in der Osloer Nationalgalerie aufbewahrt. Die Kreation des Künstlers ist zu einem Wahrzeichen des Impressionismus geworden und gilt heute allgemein als eines der berühmtesten Gemälde der Welt. Munch selbst erzählte die Geschichte seiner Entstehung: "Ich ging mit zwei Freunden den Weg entlang. Zu diesem Zeitpunkt ging die Sonne unter. Plötzlich wurde der Himmel blutrot, ich hielt inne, fühlte mich erschöpft und lehnte mich an den Zaun. Ich schaute auf das Blut und die Flammen über dem Bläulichen - ein schwarzer Fjord und eine Stadt. Meine Freunde gingen weiter, und ich stand immer noch vor Aufregung zitternd da und fühlte den endlosen Schrei, der die Natur durchdringt. " Es gibt zwei Versionen der Interpretation der gezeichneten Bedeutung. Es kann angenommen werden, dass die abgebildete Figur von Entsetzen erfasst wird und lautlos schreit und seine Hände an seine Ohren drückt. Eine andere Version besagt, dass der Mann seine Ohren vor dem Schrei geschlossen hat, der um ihn herum schreit. Insgesamt hat Munch bis zu 4 Versionen von "Scream" erstellt. Einige Experten glauben, dass dieses Gemälde eine klassische Manifestation der manisch-depressiven Psychose ist, unter der der Künstler litt. Als Munch in der Klinik behandelt wurde, kehrte er nie auf diese Leinwand zurück.

Paul Gauguin "Woher kommen wir? Wer sind wir? Wohin gehen wir?" Im Boston Museum of Fine Arts finden Sie dieses impressionistische Werk mit einer Größe von 139,1 x 374,6 cm. Es wurde 1897-1898 in Öl auf Leinwand gemalt. Dieses tiefgreifende Werk wurde von Gauguin in Tahiti geschrieben, wo er sich aus der Hektik des Pariser Lebens zurückzog. Das Gemälde wurde für den Künstler so wichtig, dass er nach seiner Fertigstellung sogar Selbstmord begehen wollte. Gauguin glaubte, dass sie die beste auf dem Kopf war, die er zuvor geschaffen hatte. Der Künstler glaubte, dass er nicht in der Lage sein würde, etwas Besseres oder Ähnliches zu schaffen, er hatte einfach nichts mehr zu streben. Gauguin lebte weitere 5 Jahre und bewies die Wahrheit seiner Urteile. Er selbst sagte, dass sein Hauptbild von rechts nach links betrachtet werden sollte. Es gibt drei Hauptgruppen von Figuren, die die Fragen verkörpern, mit denen die Leinwand betitelt ist. Drei Frauen mit einem Kind zeigen den Beginn des Lebens, in der Mitte symbolisieren Menschen die Reife, das Alter wird durch eine ältere Frau dargestellt, die auf ihren Tod wartet. Es scheint, dass sie sich damit abgefunden hat und über etwas Eigenes nachdenkt. Zu ihren Füßen liegt ein weißer Vogel, der die Sinnlosigkeit von Wörtern symbolisiert.

Pablo Picasso "Guernica". Picassos Kreation wird im Reina Sofia Museum in Madrid aufbewahrt. Ein großes Gemälde, 349 x 776 cm, in Öl auf Leinwand gemalt. Diese Wandmalerei wurde 1937 erstellt. Das Bild erzählt von der Razzia faschistischer freiwilliger Piloten in der Stadt Guernica. Infolge dieser Ereignisse wurde die Stadt mit 6000 Einwohnern vollständig dem Erdboden gleichgemacht. Der Künstler hat dieses Bild in nur einem Monat erstellt. In den frühen Tagen arbeitete Picasso 10-12 Stunden, in seinen ersten Skizzen war die Hauptidee bereits sichtbar. Infolgedessen wurde das Bild zu einer der besten Illustrationen aller Schrecken des Faschismus, der Grausamkeit und der menschlichen Trauer. In "Guernica" sehen Sie eine Szene von Gräueltaten, Gewalt, Tod, Leiden und Hilflosigkeit. Obwohl die Gründe dafür nicht ausdrücklich angegeben sind, sind sie aus der Geschichte ersichtlich. 1940 soll Pablo Picasso sogar zur Gestapo nach Paris gerufen worden sein. Er wurde sofort gefragt: "Hast du es getan?" Darauf antwortete der Künstler: "Nein, du hast es getan."

Jan van Eyck "Porträt des Arnolfini-Paares". Dieses Gemälde wurde 1434 in Öl auf Holz gemalt. Das Meisterwerk misst 81,8 x 59,7 cm und wird in der London National Gallery aufbewahrt. Vermutlich zeigt das Gemälde Giovanni di Nicolao Arnolfini zusammen mit seiner Frau. Die Arbeit ist eine der schwierigsten in der westlichen Malschule während der nördlichen Renaissance. Dieses berühmte Gemälde enthält eine Vielzahl von Symbolen, Allegorien und verschiedenen Hinweisen. Dass es nur die Unterschrift des Künstlers "Jan van Eyck war hier" gibt. Infolgedessen ist das Gemälde nicht nur ein Kunstwerk, sondern ein echtes historisches Dokument. Immerhin handelt es sich um ein echtes Ereignis, das van Eyck festgehalten hat. Dieses Bild ist in letzter Zeit in Russland sehr beliebt geworden, da Arnolfinis Ähnlichkeit mit Wladimir Putin mit bloßem Auge spürbar ist.

Mikhail Vrubel "Sitzender Dämon". Dieses Meisterwerk von Michail Vrubel, das 1890 von ihm in Öl gemalt wurde, befindet sich in der Tretjakow-Galerie. Die Maße der Leinwand betragen 114x211 cm. Der hier abgebildete Dämon ist überraschend. Er erscheint als trauriger junger Mann mit langen Haaren. Normalerweise repräsentieren Menschen böse Geister nicht so. Vrubel selbst sagte über sein berühmtestes Gemälde, dass der Dämon nach seinem Verständnis weniger ein böser als ein leidender Geist sei. Gleichzeitig kann man ihm Autorität und Würde nicht verweigern. Vrubels Dämon ist vor allem ein Bild des menschlichen Geistes, der in ständigem Kampf mit uns selbst und Zweifeln in uns herrscht. Diese Kreatur, umgeben von Blumen, verschränkte auf tragische Weise seine Hände, seine riesigen Augen blicken traurig in die Ferne. Die gesamte Komposition drückt die Einschränkung der Figur des Dämons aus. Er scheint in diesem Bild zwischen der Ober- und Unterseite des Bilderrahmens eingeklemmt zu sein.

Vasily Vereshchagin "Die Apotheose des Krieges". Das Gemälde wurde 1871 gemalt, aber darin schien der Autor die Schrecken zukünftiger Weltkriege vorauszusehen. Eine Leinwand von 127 x 197 cm wird in der Tretjakow-Galerie aufbewahrt. Vereshchagin gilt als einer der besten Kampfmaler der russischen Malerei. Er schrieb jedoch keine Kriege und Schlachten, weil er sie liebte. Der Künstler versuchte, den Menschen seine negative Haltung gegenüber dem Krieg durch bildende Kunst zu vermitteln. Einmal versprach Vereshchagin sogar, keine Schlachtbilder mehr zu malen. Immerhin nahm der Maler die Trauer jedes verwundeten und getöteten Soldaten zu sehr in sein Herz. Das Ergebnis einer solch herzlichen Einstellung zu diesem Thema war "Die Apotheose des Krieges". Ein schreckliches und faszinierendes Bild zeigt einen Berg menschlicher Schädel auf einem Feld mit Krähen. Vereshchagin schuf eine emotionale Leinwand, hinter jedem Schädel in einem riesigen Haufen ist die Geschichte und das Schicksal von Individuen und Menschen in ihrer Nähe nachgezeichnet. Der Künstler selbst nannte dieses Bild sarkastisch ein Stillleben, weil es eine tote Natur darstellt. Alle Details von "The Apotheosis of War" schreien nach Tod und Leere, es ist sogar im gelben Hintergrund der Erde sichtbar. Und das Blau des Himmels betont nur den Tod. Die Idee der Schrecken des Krieges wird durch Einschusslöcher und Säbelspuren auf den Schädeln unterstrichen.

Grant Wood "American Gothic". Dieses kleine Gemälde misst 74 x 62 cm. Es wurde 1930 geschaffen und befindet sich heute im Art Institute of Chicago. Das Gemälde ist eines der bekanntesten Beispiele amerikanischer Kunst des letzten Jahrhunderts. Bereits in unserer Zeit wird der Name "American Gothic" in den Medien oft erwähnt. Das Gemälde zeigt einen eher düsteren Vater und seine Tochter. Zahlreiche Details erzählen von der Schwere, dem Puritanismus und der Ossifikation dieser Menschen. Sie haben verärgerte Gesichter, eine aggressive Heugabel in der Mitte des Bildes, und die Kleidung des Paares ist selbst nach damaligen Maßstäben altmodisch. Sogar die Naht an der Kleidung des Bauern folgt der Form einer Heugabel und verdoppelt die Bedrohung für diejenigen, die in seinen Lebensstil eingreifen. Die Details des Bildes können endlos studiert werden und fühlen sich körperlich unwohl. Es ist interessant, dass das Bild einmal bei einem Wettbewerb am Chicago Institute of the Arts von den Richtern als humorvoll akzeptiert wurde. Aber die Menschen in Iowa beleidigten den Künstler, weil er sie in einer so unattraktiven Perspektive entlarvte. Das Modell für die Frau war Woods Schwester, aber der Prototyp des wütenden Mannes war der Zahnarzt des Malers.

Rene Magritte "Liebhaber". Das Gemälde wurde 1928 in Öl auf Leinwand gemalt. Es gibt jedoch zwei Möglichkeiten. In einem von ihnen küssen sich ein Mann und eine Frau, nur ihre Köpfe sind in weißes Tuch gewickelt. In einer anderen Version des Bildes schauen die Liebenden auf den Betrachter. Gezeichnet und überraschend und bezaubernd. Figuren ohne Gesichter symbolisieren die Blindheit der Liebe. Es ist bekannt, dass Liebende niemanden in der Nähe sehen, aber wir können ihre wahren Gefühle nicht sehen. Selbst für einander sind diese Menschen, die vom Gefühl geblendet sind, tatsächlich ein Rätsel. Und obwohl die Hauptbotschaft des Bildes klar zu sein scheint, lassen "Liebhaber" Sie sie immer noch betrachten und über Liebe nachdenken. Im Allgemeinen sind fast alle Gemälde von Magritte Rätsel, die sich nicht lösen lassen. Schließlich werfen diese Leinwände die Hauptfragen nach dem Sinn unseres Lebens auf. In ihnen spricht der Künstler über die Illusion dessen, was wir sehen, über die Tatsache, dass es viele mysteriöse Dinge um uns herum gibt, die wir nicht zu bemerken versuchen.

Marc Chagall "Walk". Das Gemälde wurde 1917 in Öl auf Leinwand gemalt und befindet sich heute in der Staatlichen Tretjakow-Galerie. In seinen Arbeiten ist Marc Chagall normalerweise ernst, aber hier erlaubte er sich, Gefühle zu zeigen. Das Gemälde drückt das persönliche Glück des Künstlers aus, es ist voller Liebe und Allegorien. Sein "Walk" ist ein Selbstporträt, in dem Chagall seine Frau Bella neben sich porträtierte. Seine Auserwählte schwebt am Himmel, sie ist dabei, den Künstler dorthin zu ziehen, der sich bereits fast vom Boden abgehoben hat und sie nur mit den Spitzen seiner Schuhe berührt. In der anderen Hand des Mannes ist eine Meise. Wir können sagen, dass Chagall so sein Glück dargestellt hat. Er hat einen Kran am Himmel in Form einer geliebten Frau und eine Meise in der Hand, womit er seine Arbeit meinte.

Hieronymus Bosch "Der Garten der irdischen Freuden". Diese 389 x 220 cm große Leinwand wird im spanischen Rechtsmuseum aufbewahrt. Bosch malte in den Jahren 1500-1510 ein Ölgemälde auf Holz. Dies ist das berühmteste Bosch-Triptychon. Obwohl das Bild aus drei Teilen besteht, ist es nach dem zentralen benannt, das der Sinnlichkeit gewidmet ist. Es gibt ständige Debatten über die Bedeutung eines seltsamen Bildes, es gibt keine solche Interpretation, die als die einzig richtige anerkannt würde. Das Interesse am Triptychon ergibt sich aus den vielen kleinen Details, die die Hauptidee ausdrücken. Es gibt durchscheinende Figuren, ungewöhnliche Strukturen, Monster, inkarnierte Albträume und Visionen und höllische Variationen der Realität. Der Künstler konnte dies alles mit einem scharfen und suchenden Blick betrachten, nachdem er es geschafft hatte, unterschiedliche Elemente in einer einzigen Leinwand zu kombinieren. Einige Forscher haben versucht, auf dem Bild eine Reflexion des menschlichen Lebens zu sehen, die der Autor vergeblich zeigte. Andere fanden Bilder der Liebe, jemand entdeckte den Triumph der Sinnlichkeit. Es ist jedoch zweifelhaft, dass der Autor versuchte, fleischliche Freuden zu verherrlichen. Immerhin werden Menschenfiguren mit kalter Distanz und Unschuld dargestellt. Und die Kirchenbehörden reagierten sehr positiv auf dieses Bild von Bosch.

Gustav Klimt "Drei Altersgruppen von Frauen". Dieses Gemälde befindet sich in der römischen Nationalgalerie für moderne Kunst. Die 180 cm breite quadratische Leinwand wurde 1905 in Öl auf Leinwand gemalt. Dieses Bild drückt gleichzeitig Freude und Trauer aus. Der Künstler in drei Figuren konnte das ganze Leben einer Frau zeigen. Der erste, noch ein Kind, ist äußerst sorglos. Eine reife Frau drückt Frieden aus, und das letzte Zeitalter symbolisiert Verzweiflung. Gleichzeitig ist das Mittelalter organisch in das Lebensornament eingewebt, und das alte hebt sich deutlich von seinem Hintergrund ab. Der klare Kontrast zwischen einer jungen Frau und einer älteren Frau ist symbolisch. Wenn die Blüte des Lebens mit zahlreichen Möglichkeiten und Veränderungen einhergeht, ist die letzte Phase eine tief verwurzelte Beständigkeit und ein Konflikt mit der Realität. Ein solches Bild zieht die Aufmerksamkeit auf sich und lässt einen über die Absicht des Künstlers nachdenken, über seine Tiefe. Es enthält alles Leben mit seiner Unvermeidlichkeit und Metamorphosen.

Egon Schiele "Die Familie". Diese Leinwand misst 152,5 x 162,5 cm und wurde 1918 in Öl gemalt. Es wird jetzt im Wiener Belvedere aufbewahrt. Schieles Lehrer war Klimt selbst, aber der Schüler versuchte überhaupt nicht, ihn fleißig zu kopieren und suchte nach seinen eigenen Ausdrucksmethoden. Wir können mit Sicherheit sagen, dass Schieles Werke noch tragischer, beängstigender und seltsamer sind als die von Klimt. Einige Elemente würden heute als pornografisch bezeichnet, es gibt viele verschiedene Perversionen, Naturalismus ist in seiner ganzen Schönheit vorhanden. Gleichzeitig sind die Bilder buchstäblich von einer Art schmerzhafter Verzweiflung durchdrungen. Der Höhepunkt von Schieles Werk und seinem jüngsten Gemälde ist "Die Familie". Auf dieser Leinwand wird die Verzweiflung auf ein Maximum gebracht, während sich das Werk selbst für den Autor als am wenigsten seltsam herausstellte. Nachdem seine schwangere Frau Schiele an der spanischen Grippe gestorben war und kurz vor seinem Tod, wurde dieses Meisterwerk geschaffen. Zwischen den beiden Todesfällen vergingen nur drei Tage, die für den Künstler ausreichten, um sich mit seiner Frau und seinem nie geborenen Kind darzustellen. Zu dieser Zeit war Schiele erst 28 Jahre alt.

Frida Kahlo "Zwei Frida". Das Bild wurde 1939 geboren. Die mexikanische Künstlerin Frida Kahlo wurde berühmt, nachdem ein Film über sie mit Salma Hayek in der Titelrolle veröffentlicht wurde. Die Arbeit der Künstlerin basierte auf ihren Selbstporträts. Sie selbst erklärte diese Tatsache wie folgt: "Ich schreibe mich selbst, weil ich viel Zeit alleine verbringe und weil ich das Thema bin, das ich am besten kenne." Es ist interessant, dass Frida in keinem ihrer Bilder lächelt. Ihr Gesicht ist ernst, sogar etwas traurig. Verschmolzene buschige Augenbrauen und kaum wahrnehmbare Antennen über den komprimierten Lippen drücken die maximale Ernsthaftigkeit aus. Die Ideen der Bilder liegen in den Figuren, dem Hintergrund und den Details dessen, was Frida umgibt. Die Symbolik der Gemälde basiert auf den nationalen Traditionen Mexikos, die eng mit der alten indischen Mythologie verflochten sind. "Two Frida" ist eines der besten Bilder der Mexikanerin. Darin werden die männlichen und weiblichen Prinzipien auf originelle Weise dargestellt und haben ein einziges Kreislaufsystem. So zeigte der Künstler die Einheit und Integrität dieser beiden Gegensätze.

Claude Monet "Waterloo Bridge. Nebeleffekt". Dieses Gemälde von Monet befindet sich in der Eremitage von St. Petersburg. Es wurde 1899 in Öl auf Leinwand gemalt. Bei näherer Betrachtung des Bildes erscheint es als violetter Fleck mit dicken Strichen. Wenn sich der Betrachter jedoch von der Leinwand entfernt, versteht er all seine Magie. Zunächst werden vage Halbkreise sichtbar, die durch die Bildmitte verlaufen, die Umrisse von Booten erscheinen. Und aus einer Entfernung von einigen Metern können Sie bereits alle Elemente des Bildes sehen, die in einer logischen Kette verbunden sind.

Jackson Pollock "Nummer 5, 1948". Pollock ist ein Klassiker des Genres des abstrakten Expressionismus. Sein berühmtestes Gemälde ist heute das teuerste der Welt. Und der Künstler malte es 1948, indem er einfach Ölfarbe über eine 240 x 120 cm große Faserplatte auf den Boden verschüttete. Im Jahr 2006 wurde dieses Gemälde bei Sotheby's für 140 Millionen US-Dollar verkauft. Der Vorbesitzer, Sammler und Filmproduzent David Giffen verkaufte es an den mexikanischen Finanzier David Martinez. Pollock sagte, er habe beschlossen, sich von so bekannten Künstlerwerkzeugen wie Staffelei, Farben und Pinseln zu entfernen. Seine Werkzeuge waren Stöcke, Messer, Schaufeln und Farbe. Er benutzte auch eine Mischung davon mit Sand oder sogar Glasscherben. Beginnen zu erstellen. Pollock gibt sich der Inspiration hin und merkt nicht einmal, was er tut. Erst dann kommt die Verwirklichung des Perfekten. Gleichzeitig hat der Künstler keine Angst, das Bild zu zerstören oder versehentlich zu verändern - das Bild beginnt, sein eigenes Leben zu führen. Pollocks Aufgabe ist es, ihr zu helfen, geboren zu werden und nach draußen zu gehen.Aber wenn der Meister den Kontakt zu seiner Schöpfung verliert, ist das Ergebnis Chaos und Schmutz. Bei Erfolg verkörpert das Gemälde pure Harmonie, Leichtigkeit des Empfangens und Verkörperns von Inspiration.

Joan Miró "Ein Mann und eine Frau vor einem Haufen Exkremente." Dieses Gemälde befindet sich heute in der Sammlung des Künstlers in Spanien. Es wurde 1935 in nur einer Woche vom 15. bis 22. Oktober in Öl auf ein Kupferblech gemalt. Die Größe der Kreation beträgt nur 23x32 cm. Trotz eines solch provokanten Titels spricht das Bild von den Schrecken der Bürgerkriege. Der Autor selbst hat also die Ereignisse dieser Jahre in Spanien dargestellt. Miro versuchte eine Zeit der Sorge zu zeigen. Auf dem Bild sehen Sie den bewegungslosen Mann und die bewegungslose Frau, die sich dennoch zueinander hingezogen fühlen. Die Leinwand ist gesättigt mit bedrohlichen giftigen Blumen, zusammen mit vergrößerten Genitalien, sie sieht absichtlich ekelhaft und ekelhaft sexy aus.

Jacek Jerka "Erosion". In den Werken dieses polnischen Neo-Surrealisten lassen die ineinander verschlungenen Bilder der Realität eine neue Realität entstehen. In gewisser Weise sind sogar berührende Bilder äußerst detailliert. Sie spüren das Echo der Surrealisten der Vergangenheit, von Bosch bis Dali. Yerka wuchs in einer Atmosphäre mittelalterlicher Architektur auf, die die Bombenangriffe des Zweiten Weltkriegs auf wundersame Weise überlebte. Er begann schon vor dem Eintritt in die Universität zu zeichnen. Sie versuchten, seinen Stil in einen moderneren und weniger detaillierten zu ändern, aber Yerka selbst behielt seine Individualität. Heute werden seine ungewöhnlichen Gemälde nicht nur in Polen, sondern auch in Deutschland, Frankreich, Monaco und den USA ausgestellt. Sie sind in einer Reihe von Sammlungen auf der ganzen Welt zu finden.

Bill Stoneham "Hände widersetzen sich ihm". Das 1972 gemalte Gemälde ist kaum ein klassisches Gemälde. Es besteht jedoch kein Zweifel, dass sie eine der seltsamsten Kreationen von Künstlern ist. Das Gemälde zeigt einen Jungen, neben ihm eine Puppe, und zahlreiche Handflächen werden von hinten gegen das Glas gedrückt. Diese Leinwand ist seltsam, mysteriös und etwas mystisch. Es ist bereits mit Legenden überwachsen. Sie sagen, dass aufgrund dieses Bildes jemand gestorben ist und die Kinder darauf leben. Sie sieht wirklich gruselig aus. Es ist nicht verwunderlich, dass das Gemälde Ängste und unheimliche Fantasien für Menschen mit einer kranken Mentalität hervorruft. Stoneham selbst versicherte, dass er sich im Alter von 5 Jahren selbst gemalt habe. Die Tür hinter dem Jungen ist die Barriere zwischen der Realität und der Welt der Träume. Die Puppe hingegen ist ein Leitfaden, der ein Kind von einer Welt in eine andere bringen kann. Hände sind alternative Leben oder menschliche Fähigkeiten. Das Gemälde wurde im Februar 2000 berühmt. Es wurde bei eBay zum Verkauf angeboten und erzählt, dass es Geister hat. Am Ende wurde Hands Resist Him von Kim Smith für 1.025 US-Dollar gekauft. Bald wurde der Käufer buchstäblich mit Briefen mit Gruselgeschichten überschwemmt, die mit dem Gemälde verbunden waren, und forderte, diese Leinwand zu zerstören.

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